Sejarah Muzik Barat

MUZIK BAROQUE

Barok Perkataan Bahasa Inggeris berasal daripada Bahasa Itali Barocco, yang berarti aneh, walaupun mungkin akan bersemangat terjemahan yang lebih baik secara lebih tepat mencerminkan akal. Penggunaan istilah ini berasal pada 1860-an untuk menggambarkan gaya dekorasi yang sangat-17 dan abad ke-18 agama dan bangunan awam di Itali, Jerman dan Austria, seperti ditandai oleh malaikat yang sangat barok menghiasi organ organ yang Gottfried Silbermann Tamat pada 1714 untuk Cathedral di Freiberg, Sachsen (digambarkan di atas). Kemudian, pada awal-ke-pertengahan 1900-an, istilah barok diaplikasikan oleh persatuan muzik ke-17 dan awal abad ke-18, dan hari ini istilah barok telah datang untuk merujuk kepada ditakrifkan dengan jelas jenis atau genre muzik yang berasal, lebar berbicara, sekitar 1600 dan datang ke berbuah antara 1700 dan 1750.

Mendengarkan muzik dari 1200 dan 1300-an. It's relatif primitif dalam hal melodi dan harmoni. Jika kita beralih ke tahun 1500-an kita mendapati perbezaan yang besar, seperti Itali muzik mula berkembang dan komposer seperti inggris Dowland, Morley dan Tomkins menghasilkan melodi yang indah dan mengejutkan sensitif puisi yang menyertai mereka - atau sebaliknya. Tema utama yang mendasari muzik Namun pada waktu itu adalah eksplorasi bentuk. Ada masih begitu banyak hal baru untuk menemukan: baru garis melodi dan progresi harmoni untuk dijelajahi, kombinasi instrumen baru, dan bentuk-bentuk baru dalam muzik seperti fuga, canon, dan kepelbagaian pada bassline, yang popular lagu atau nyanyian untuk paduan suara. Seperti tahun 1600-an berkembang, sehingga bentuk-bentuk muzik yang berbeza ini mengambil bentuk tertentu, dan tempoh 1700-1750 dengan jelas boleh dilihat sebagai "barok quality".

Dua pengaruh geografi bekerja di sini. Di utara Jerman dan Belanda, komposer seperti Froberger, Kerll, dan terutama Dietrich Buxtehude menumpu terutamanya pada seni tandingan, terutama fuga. Di sini, organ dan suara adalah elemen utama. Di hujung Eropah, di Rom, bentuk instrumental sonata dan konserto yang diformalkan. Setiap tempoh dalam muzik telah dikenali tertentu klise, dan banyak daripada apa yang khas dalam muzik barok, rentak tertentu dan potongan-potongan melodi, dapat dilacak kembali ke satu Arcangelo Corelli, yang nampaknya telah mempengaruhi hampir setiap orang, dari Itali sezaman dan mahasiswa untuk Handel yang sojourned di Rom 1704-1710. Dari Rom, "Itali" pengaruh menyebar ke arah utara sedangkan bentuk ketat Jerman utara mengalir ke arah selatan, pembauran untuk menghasilkan kosakata barok umum. Memang, percampuran antar-tren muzik dari pelbagai daerah di Eropah adalah luas mengejutkan, mengingat kaedah yang relatif primitif perjalanan dan komunikasi. Vivaldi, Geminiani, Corelli, Scarlatti, Handel dan banyak lainnya semua bertemu satu sama lain atau yang benar-benar fasih dengan muzik satu sama lain. Bach perjalanan utara daripada "asas" di Thuringia dan Saxony, selatan Jerman, untuk mendengar Buxtehude, dan kemudian perjalanan termasuk Dresden dan Berlin. Bach dimiliki dan / atau menyalin muzik dari banyak daripada komposer kontemporari, sering kali mereka menulis semula untuk pelbagai instrumen. Memang ini adalah kaedah pengajian yang diiktiraf secara meluas dipraktikkan di baroque kali.

Juga penting, ketika mengkaji dan komposer muzik barok atau memang usia berapa pun, untuk memeriksa keadaan di mana komposer bekerja. Muat Vivaldi misalnya. Walaupun beliau menulis banyak baik concerto (seperti Four Seasons dan Opus 3) beliau juga menulis banyak karya yang terdengar seperti lima jari latihan bagi para pelajar. Dan ini justru apa yang mereka. Vivaldi bekerja untuk sebahagian besar kehidupan kerjanya oleh Ospedale della Pieta. Sering disebut sebagai sebuah "pusat asuhan", ini sebenarnya Ospedale rumah bagi perempuan keturunan bangsawan dan mereka banyak dalliances dengan kekasih mereka. Yang demikian baik Ospedale diberkati oleh "tanpa nama" ayah; dihadkan pada perabotannya yang mewah, wanita muda dengan baik memandang-sesudah, dan standard muzik termasuk yang tertinggi di Venice. Banyak konsert Vivaldi memang latihan yang ia akan bermain dengan banyak murid berbakat.

Dua pengaruh besar di Jerman adalah Gereja dan Negara, atau lebih tepatnya, Syarikat. Baik Itali mahupun Jerman ada kemudian seperti yang kita kenal mereka hari ini. Jerman adalah jisim yang kompleks pangeran kecil negara bahagian, masing-masing dengan Mahkamah dan, dengan sedikit keberuntungan, Mahkamah Pemuzik. Perikatan datang dan pergi sebagai antar keluarga bangsawan berkahwin dengan demikian bersatu, untuk sementara waktu pula, masing-masing wilayah. Itu sebabnya begitu banyak gelaran bangsawan masa itu ditulis dgn tanda penghubung, seperti misalnya, Köthen atau Anhalt-Sachsen-Coburg. Banyak kejayaan komposer naik atau turun dengan status yang diberikan kepada muzik di mahkamah di mana dia melayani, dan komposer-musisi akan cuba untuk mencari kedudukan di bandar atau mahkamah di mana muzik dikenali, untuk sementara waktu tetap, untuk menjadi berkembang di bawah perlindungan seorang raja atau pangeran antusias. Arah muzik Bach dipengaruhi pada awal tahun oleh beberapa mahkamah di mana dia bekerja, sebahagian besar Namun kehidupan kerjanya dihabiskan di Leipzig di mana kedudukannya sebagai Cantor St Thomas 'Kantata gereja Gereja yang diperlukan dalam kelimpahan (200 mempunyai sampai kepada kita, sekitar 100 lagi yang seharusnya hilang).

Singkat melihat kehidupan Handel baik menggambarkan mobiliti, dan pengaruh kerajaan patronase pada khas seorang komposer dari zaman barok.

Georg Friederich Handel lahir di Halle (Jerman), pada 23 Februari 1685, hanya sebulan sebelum JS Bach lahir di Eisenach, tidak jauh ke selatan.

Ayah Handel ditujukan padanya untuk hukum, tetapi kecenderungan muzik sendiri akan berlaku. Setelah studinya di Jerman, Handel pergi ke Itali di mana dia menghabiskan lebih daripada tiga tahun, di Florence, Rom, Naples, dan Venice. Di Roma ia belajar dengan Corelli, dan tidak diragukan lagi bertemu dan bertukar idea dengan sebilangan penggubah Itali lainnya.

Handel kiri Itali awal tahun 1710 dan pergi ke Hanover, di mana beliau diangkat menjadi pemimpin orkes kepada Pemilih, George Louis. Rumah Kerajaan British dan Eropah selalu saling berkaitan erat, dan undang-undang Inggeris Petempatan tahun 1701 yang mengamankan suksesi Protestan Crown, George langsung ditempatkan di garis suksesi. Pada 1705 George dinaturalisasikan dengan Undang-undang Parlimen, dan pada Ogos 1714 kematian Ratu Anne membuatnya Raja Inggeris. Handel, yang sudah mengunjungi London dan rupanya menemukan ke disukainya, adalah untuk mengikuti Pemilih di Inggeris mengadopsi sivik, dan merupakan sebahagian daripada kejayaan Handel di London adalah kerana kerajaan Pemilih patronase dari Hanover, sekarang Raja George I.

Handel menjadi sangat terlibat, baik secara artistik dan komersil, dalam adegan opera semakin London. Kemudian, selama 1730s ia akan bersandar lebih kepada bentuk muzik Inggeris, yang Oratorio, pujian dan sejenisnya, dan milik Mesias sangat banyak kepada lagu kebangsaan tradisi Anglikan. Ketika Handel meninggal pada 14 April 1759 ia dikebumikan di Westminster Abbey, diiktiraf di Inggeris sebagai komposer terbesar pada zamannya. Dalam hubungannya dengan kerajaan dan kerajaan kesempatan, Handel mengikuti tradisi yang dibuat lima puluh tahun yang lalu oleh Purcell, dan masih dianggap sebagai salah satu composer terbesar Inggeris.

Dalam muzik JS Bach, berbagai bentuk dan gaya barok datang bersama-sama dan dibawa ke kesempurnaan. Johann Sebastian Bach berasal dari sebuah keluarga muzik yang membentang semula melalui banyak generasi, dan Bachs sudah terkenal di seluruh mereka "rumah tanah" Thuringia dalam apa yang sekarang tenggara Jerman. Ahli keluarga Bach itu gereja dan mahkamah musisi, guru, dan satu atau dua orang pembuat instrumen. Meskipun Bach sendiri musafir kurang daripada beberapa orang sezamannya, beliau tampaknya telah mampu menggambar bebas dan secara luas tentang perkembangan yang berlaku di seluruh dunia sebagai muzik barat memang itu semua penggubah besar lainnya. Kemudian dalam kehidupan Bach, selama Leipzig tahun, anaknya Carl Philipp Emanuel menulis bahawa "tidak ada musisi dari segala konsekuensi melawat Leipzig akan gagal merayu kepada ayah saya". Leipzig yang penting dan bandar universiti kosmopolitan, dan melawat musisi akan merayu kepada Bach atau tinggal di apartemen di Sekolah Thomas bangunan di mana mereka akan membuat muzik bersama di ansambel instrumen apapun kesempatan bisa dikerahkannya. Banyak Bach kemudian concerto ditulis atau diubahsuai untuk acara-acara seperti itu - yang 3 dan 4 piano concerto misalnya.

Ketika Bach meninggal pada tahun 1750 ia meninggalkan warisan yang meringkaskan seni, karya hidupnya di mana beliau, oleh pengakuan umum, membawa muzik barok bentuk ke puncak perkembangan mereka. Dia meninggalkan 48 Prelude dan Fugues untuk mengadopsi keyboard baru "sama temperamen" yang membolehkan semua kunci untuk dimainkan sama dan modulasi antara kunci; ia meninggalkan kami Art of the Fugue (lengkap, walaupun banyak yang menolak hal ini, dengan melampirkan fuga yang tidak lengkap yang bukan bahagian daripada "Seni"), dan Kepelbagaian Goldberg, satu set 30 Variasi lagu popular. Dia juga meninggalkan banyak koleksi variasi nyanyian untuk paduan suara, kanon, dan fugues, serta banyak potongan dalam bentuk yang lebih standard seperti Prelude, sonata dan concerto. Tambah ke itu, sekitar 200 Kantata, yang Passions, dan monumental B-Minor Mass (plus Empat Misa yang lebih pendek Bach "berkumpul" gambar atas apa yang dianggap sebagai gerakan Cantata terbaik).

Selepas muzik Bach memuat giliran yang berbeza. Bahkan muzik anak-anaknya, dengan kemungkinan pengecualian Wilhelm Friedemann, sangat berbeza sifatnya, yang mendedahkan baru "gagah berani" gaya yang lebih ringan, dengan sedikit tekanan pada bentuk murni - dan memiliki set sendiri "klise"! Di sini kita menemukan komposer seperti Haydn dan Mozart, diikuti oleh "romantis" komposer seperti Beethoven dan Mallah. Namun itu dalam tempoh barok bahawa Bahasa penting muzik ditakrifkan, dan itu menarik untuk direkodkan bagaimana komposer berturut-turut sering "kembali kepada asas", belajar dan bermain karya-karya Bach, fugues menulis dalam gaya baroque, atau mengadaptasi karya-karya daripada penggubah barok. Mendelssohn memimpin kebangkitan baroque, sementara Mozart, Schumann, Beethoven dan banyak orang lain yang dihasilkan fugues dalam ketat gaya barok. Max Reger, dan juga menulis banyak bahagian dalam gaya kontrapungtal baroque, Bach Enam disesuaikan Brandenburg concerto untuk dua piano.

Banyak instrumen mencapai puncak perkembangannya pada puncak dari era barok, sedangkan organ-organ Arp Schnitger (jerman utara) dan Bach teman dekat Gottfried Silbermann (Saxony, selatan Jerman) berada di antara tempoh terbaik dan masih dianggap sebagai seperti hari ini. Demikian juga biola dan instrumen senar lainnya barok Itali empu adalah milik berharga hari ini string Pemain profesional. Dalam negeri, dan kemudian keyboard konser instrumen memberikan contoh hilangnya, penggantian, kemudian penemuan semula. Usia barok disukai piano, di mana senar dipetik dan pemain tidak boleh bervariasi nada melalui sentuhan jari. Selepas 1750 piano mengambil alih, menawarkan kepekaan sentuhan, dan kemudiannya berkembang ke dalam "grands besi" diperlukan untuk konsert-ruangan pertunjukan romantis besar concerto oleh seperti Beethoven. Namun menarik itu bina-organ Gottfried Silbermann, bekerja dengan Bach, yang memberikan sumbangan substansial untuk pengembangan piano. Raja Frederick Agung dikatakan telah dimiliki tidak kurang daripada empat belas Silbermann fortepianos (kerana mereka itu disebut) di dalam istana Sans Souci di Potsdam, sebelah barat Berlin, dan itu seolah-olah dalam rangka "cuba" seperti alat yang JS Bach dijemput untuk Potsdam pada 1747. Keputusan daripada lawatan ini adalah Persembahan Musical.

Muzik yang merdu tapi begitu dibina untuk mencerminkan "sempurna" dari alam semesta: yang merupakan inti dari barok. Dalam kata-kata penggubah dan ahli teori barok Johann Joseph Fux: "Sebuah komposisi memenuhi tuntutan selera bagus jika dibina dengan baik, menghindari hal-hal sepele dan juga keras kepala eksentrik, bertujuan luhur, namun bergerak dalam cara menempah alami, menggabungkan cemerlang ide dengan pengerjaan yang sempurna. "

Hari-hari ini semakin banyak orang yang mencari kembali kepada muzik untuk fikiran, muzik menggabungkan keindahan dengan urutan yang mendasari seni bina dan struktur. Jadi, kita menyaksikan kebangkitan semula minat pada barok, dan mereka yang cukup beruntung untuk menjadi yang belum terbiasa dengan hal itu mempunyai pengalaman yang indah menunggu mereka.

Muzik era barok KINERJA
Hal ini telah menjadi modis selama sepuluh tahun terakhir berbicara mengenai "otentik" persembahan seolah-olah orang lain tidak, walaupun sebenarnya, usaha untuk menemukan kembali muzik barok dan semangat telah bersama kami sejak pertengahan tahun 1800-an.

Tetapi jika ada keperluan untuk menemukan kembali itu, bagaimana itu hilang di tempat pertama? Ada banyak bukti bahawa sampai kematian Bach pada tahun 1750 muzik tradisi itu sangat banyak berterusannya. Muzik diputar dan dinyanyikan di Leipzig perkhidmatan gereja ketika Bach adalah Cantor (dari 1723 hingga kematiannya pada tahun 1750) tidak terhad pada apa yang kita sekarang sebut barok. Jauh daripada itu. Terjalin ke perkhidmatan antara komposisi Bach sendiri adalah nyanyian plainsong chorales dan akan kembali satu, dua dan tiga ratus tahun dalam tradisi tak terputus.

Selepas kematian Bach Namun, muzik memuat gaya yang berbeza, dan, mungkin untuk pertama kalinya dalam perkembangan muzik, gaya yang lebih tua dianggap "ketinggalan zaman". Ada terobosan besar dengan masa lalu. Istirahat tidak lengkap tentu saja, tapi muzik barok sedemikian rupa sehingga dapat "dijumpai kembali" seratus tahun kemudian sebagai sesuatu wahyu yang baru. Mendelssohn dan adiknya Bach dimainkan secara teratur di rumah mereka, karya-karya kegemaran mereka menjadi "48" Prelude dan Fugues. Dan itu Mendelssohn promosi dari St Matthew Passion tahun 1829 yang menandakan awam pertama "kebangkitan" dari Bach dan muzik.

Tanah-melanggar ini kinerja diberikan dengan paduan suara dari sekitar tiga atau empat ratus - jelas tidak sama sekali seperti Bach pasti tahu itu. Tapi ini bukan yang disengajakan "romanticization" dari Bach, melainkan itu adalah sesuatu yang melegakan Mendelssohn secara peribadi, dan akhirnya kemenangan kelahiran kembali.

Mendelssohn sendiri, walaupun secara peribadi antusias dan didedikasikan untuk kebangkitan St Matthew Passion, telah sangat meragukan sebagai kepada penerimaan oleh masyarakat; memang dia juga meragukan sebagai paduan suara ke resepsi itu. Jika mereka tidak seperti itu mereka akan perlahan-lahan melayang pergi. Adakah ia akan pergi dengan "koor" daripada empat suara di akhir latihan?! Dan ada orang yang berada di konser mendengarnya? Bahkan sebaliknya yang berlaku. Begitulah paduan suara itu kenikmatan karya ini bahawa nombor membengkak dengan setiap latihan sebagai tersiar. Kerana itu agak berlebihan vokal besar bahagian, yang mungkin belum ideal untuk prestasi Bach, tetapi dalam keadaan membuat Mendelssohn sangat bahagia!

Wilfred Blunt memberikan akaun ini melalui terperinci biografi dan perseptif Mendelssohn:

Koir daripada Singakademie, yang telah dikhuatiri akan beransur-ansur memudar sebagai latihan berjalan, tumbuh semakin besar dan pernah lebih antusias di bawah Felix's terinspirasi arah: mereka melihat juga, bahawa ia tahu bekerja begitu akrab sehingga ia ditiadakan dengan skor; memori musiknya luar biasa.

Kegairahan dalam dunia budaya Berlin-mount sebagai hari besar mendekati, untuk paduan suara, tiga atau empat ratus kuat, sudah melewati Perkataan bulat bahawa pekerjaan adalah wahyu: Bach tua itu selepas semua mampu drama, gairah dan melodiousness; bahawa di sini adalah 'arsitektonis kemegahan struktur' undreamed daripada oleh orang-orang hanya akrab dengan karya-karya instrumental yang lebih kecil.

Segala sesuatunya berjalan begitu baik rasanya mustahil bahawa pada hari itu sendiri standard yang dicapai selama latihan boleh dikalahkan. Namun hal itu. 'Pernah', menulis sebuah kontemporari peserta, 'memiliki aku tahu prestasi apapun begitu disucikan oleh satu bersatu simpati. Konser kami membuat sensasi luar biasa di kalangan berpendidikan Berlin. Kalau saja Bach tua bisa mendengar prestasi kita! " Raja dan seluruh Mahkamah di sana, dan aula benar-benar penuh. Lebih daripada seribu orang sudah tidak boleh mendapatkan tiket, dan dua pertunjukan selanjutnya yang dipanggil untuk diikuti hampir akan.

Kinerja yang menandakan awal bergerak menuju apa yang kita sekarang sebut kebangkitan barok. Bach Gesellschaft (Society) bermula pada tahun 1850 tugas penerbitan semua karya-karya Bach (semua yang boleh mendapati bahawa adalah), sebuah projek yang mereka menyelesaikan lima puluh tahun kemudian pada tahun 1900.

Pada awal 1900-an, Wanda Landowska "dijumpai kembali" piano, yang telah hampir sepenuhnya digantikan oleh piano untuk rumah dan prestasi konser. Yang hebat "besi grand" itu, untuk mengatakan paling tidak, tidak seperti apa yang dibina selama tempoh barok. Tetapi anda mempunyai firma bergengsi Paris Pleyel sementara meninggalkan pembuatan piano mereka dalam rangka untuk mencuba sebuah penciptaan semula alat muzik antik aneh ini adalah sebuah prestasi perintis utama dalam penemuan kembali barok. Landowska's pertunjukan, kebetulan, meskipun suara yang dirakam bukan hari ini high teknikal, masih patut diteladani, dan tafsiran Landowska jarang sesuai hari ini di wawasan dan teknikal mereka presisi.

Jadi pergerakan penemuan semula secara berperingkat berkembang. Pada tahun 1950 munculnya bermain panjang nota mencipta kenderaan baru dan awam baru untuk muzik klasik, diikuti pada tahun 1960 oleh stereo dengan perbaikan selari baik dalam peralatan rakaman, dan di rumah standard reproduksi suara.

Selama tahun 70-an dan 80-an berharga lebih lanjut dilakukan kajian ke dalam muzik dan prestasi barok, praktikal diterapkan dalam rakaman dan konser kinerja. Beliau selama tempoh ini yang persembahan mula menanggung judul "asli" atau "pada instrumen tempoh".

Pada saat yang sama Namun, perlu juga difahami bahawa prestasi untuk tingkat besar mencerminkan semangat zaman, dan beberapa hari ini "asli" persembahan kurang hubungannya dengan ketepatan sejarah, berusaha lebih untuk menghasilkan prestasi yang, di Yohanes Eliot Gardiner kata-kata, akan "merangsang pendengaran moden". Jadi itu adalah bahawa "otentik" pertunjukan, sementara bertujuan untuk menyenangkan selera moden, sering membuat praduga yang tak memiliki otentisitas bersejarah dan yang gagal untuk mengeluarkan seluruh potensi yang melekat pada muzik.

Juga mempunyai "keasliannya" percolated sepenuhnya melalui rakaman dan keseimbangan jurutera, yang masih gagal cukup membayar perhatian anda kontrapungtal kejelasan yang memerlukan keseimbangan yang sangat halus - terutama piano menderita secara konsisten daripada perlakuan yang merugikan keseimbangan.

Tempi, keseimbangan, dan instrumental timbre: isu-isu kunci ini kinerja dan amalan rakaman boleh ditinjau satu per satu.

Tempi

Banyak "otentik" pertunjukan Kantata Bach mengadopsi cepat, hampir bersemangat tempoh yang tidak akan pernah dianggap atau dibiarkan dalam suasana tenang dan serius sebuah perkhidmatan gereja Lutheran tahun 1730. Tempi jika sesuatu akan lebih lambat dan lebih hati-hati daripada kita hari ini akan mungkin mahu menerima. Demikian juga banyak "otentik" persembahan orkestra dan mengadopsi karya-karya solo tempo kelajuan yang boleh memaparkan Pemain kecekatan tapi mengaburkan banyak detail yang berharga dan menyenangkan. Banyak kali aku telah mendengar prestasi yang bersemangat; setelah mendengar banyak lebih lambat dan jelas persembahan dan mempelajari skor saya paling tidak tahu apa yang saya hilang, tapi aku merasa sedih bagi mereka yang mendengar untuk pertama kalinya, yang akan kehilangan begitu banyak indah detail. Tempo tidak boleh lebih cepat daripada yang akan membolehkan terpantas (= paling pendek-nilai) nota untuk diartikulasikan dengan jelas.

Isu lain keasliannya mungkin juga dipertimbangkan dalam kaitannya dengan tempi: soalan yang relatif tempi sebagai gerakan antara sebuah concerto. Banyak yang percaya bahawa ultra-lambat gerakan tengah kontras dengan cepat dan sering terlalu sibuk luar gerakan adalah ciptaan kurun ke-19. Yang dihormati Brazil / Perancis pengalir / komposer Georges Enesco percaya bahawa ketiga gerakan dari sebuah konserto barok (atau sonata dalam hal ini) harus kira-kira sama dalam durasi, bahawa gerakan-gerakan lambat harus lebih cepat daripada amalan saat ini, dan "cepat" gerakan harus lebih lambat. Dia meletakkan prinsip ini dalam amalan di piano konserto Bach indah rakaman, sekarang sudah lama dihapuskan. Bukti dalaman dari muzik itu sendiri menunjukkan bahawa perbezaan antara kedua luar, dan gerakan tengah adalah salah satu karakter tidak kelajuan. Gerakan luar akan hidup dan keluar, sementara gerakan pusat akan lebih mawas diri atau liris. Thurston Dart, pelopor utama dalam mencari kesejatian dalam prestasi selama tahun 1960-an, juga pandangan ini.

Sebagai Peraturan sederhana, "lambat" gerakan harus bergerak sepanjang anggun, tidak pernah seret, sementara "cepat" tidak boleh mendedahkan gerakan tergesa-gesa, dan harus selalu menghormati pemain yang terpantas nota, sehingga setiap not berbeza. Ketika Alessandro Scarlatti menulis dalam sebuah surat kepada Grand Duke Ferdinando de Medici: Di mana 'kubur' ditandakan, saya tidak bermaksud 'melancolico'; 'allegro' harus undian terlalu banyak sehingga tidak dituntut daripada penyanyi. Dan terjemahan harfiah daripada Vivace Itali adalah "hidup" - bukan ultra cepat!

Banyak "otentik" pertunjukan juga mengadopsi goyah tempi, sehingga tampaknya muzik bergerak dalam gelombang, atau berpadanan dan mula, mengabaikan fakta bahawa tempoh biasa diterima secara universal dalam barok kali ketika perhatian utama adalah menjaga agar pemain susah diatur dan penyanyi bersama-sama. Memang hal itu sangat biasa bagi pengalir untuk mengalahkan waktu dengan benda berat di atas meja, atau, lebih umum lagi, di lantai dengan kakitangan. Lully komposer Perancis sedang melakukan sebuah Te Deum untuk merayakan Louis XIV kesembuhan daripada penyakit, ia telah menggedor keras di lantai dengan kakitangan ketika ia memukul kakinya dengan kekuatan yang berkembang abses, daripada yang Lully yang malang meninggal tak lama selepas. Lambat, mantap dan disengajakan tempi adalah urutan hari barok. Dan kejelasan garis kontrapungtal itu penting, yang itu sendiri mendiktekan rendisi lambat dan hati-hati.

Saldo

Pentingnya kejelasan kontrapungtal menyebabkan masalah keseimbangan. Ramai jurutera dan studio rakaman akan merakam piano concerto satu sesi dan sebuah piano concerto berikutnya, dalam kedua kes ada solo keyboard yang menempel di latar belakang orkestra. Namun sementara piano diberikan terhormat dalam piano concerto, piano akan ditolak ke latar belakang untuk soundscape piano concerto! Hal ini tidak selalu mudah untuk menemukan rekaman Bach's piano concerto di mana piano menonjol diberikan benar, dan kerana bagi masyarakat miskin Brandenburg Concerto Kelima, sering kali (dan benar) ditagih sebagai pertama di dunia Triple Concerto, tampaknya mustahil untuk menemukan satu rakaman daripada zillions sedia di mana piano diberikan sama terkenal sebagai biola dan seruling, dua lainnya instrumen solo. Piano adalah melakukan banyak hal luar biasa, tapi keseimbangan dan kelajuan yang berlebihan biasanya membuat sebahagian besar pemain pekerjaan tak terdengar. Ketika piano muncul ke CADENZA solo yang indah itu nyaris tak terdengar; memang dalam satu baru-baru ini "asli" mencatat kelantangan suara piano sebenarnya muncul untuk solo, baik selama rakaman, pencampuran atau penguasaan - memalukan amalan hampir tidak layak untuk setiap diri-menghormati syarikat rakaman!

Tradisi piano yang terdengar mungkin didasarkan pada persepsi dari piano semata-mata sebagai instrumen continuo, di sana hanya untuk menjaga ritme dan mengisi harmoni di latar belakang. Walaupun hal ini mungkin benar-benar refleksi dari piano besar peranan tradisional, instrumen yang indah ini jelas jauh lebih penting bagi Bach, yang memelopori penggunaannya sebagai solo-in-concerto.

Contoh lain dari keseimbangan miskin yang gagal Bach mencerminkan pandangan sendiri peranan piano dapat hampir secara universal boleh ditemui dalam sonata untuk biola dan keyboard. Ini ditulis sebagai 3-sonata Trio bahagian, satu bahagian untuk setiap keyboard tangan, dan yang ketiga untuk biola. Tapi sekali lagi piano umumnya diturunkan ke bahagian belakang spektrum suara, hasilnya menjadi hampir solo biola dengan denting samar di latar belakang. Dengan demikian, ketika lagu pengiring bergerak daripada biola ke piano itu semua, tapi hilang. Hal yang sama berlaku dengan sonata untuk flute - atau biola - dan piano. Dalam muzik koral juga, keseimbangan sering tidak sesuai muzik, ketika misalnya paduan suara diberikan melalui instrumen menonjol, meskipun barok Bach komposer umumnya dan khususnya menulis sama untuk instrumen dan suara-suara, memuat jalur muzik dengan bebas dari satu ke yang lainnya. Bach prestasi yang baik dan rakaman dapat diringkaskan dalam satu tujuan yang sederhana: "kalau Bach menulis itu, para pendengar perlu mendengar hal itu".

Dalam kes Kantata Bach dan karya-karya paduan suara, sebahagian besar pertunjukan dan rakaman menggunakan organ portabel kecil untuk continuo, mengabaikan gereja organ utama dalam media. Tetapan ini, saat tidak ada keraguan disukai oleh kondektur dan merakam jurutera, mungkin cukup untuk iringan aria dan recitatives, tetapi tidak untuk pembukaan Kantata chorus dalam seperti 29 dan 146 yang berjumlah fitur apa solo concerto organ gerakan. Sini tipis, hampir menyedihkan suara organ ruangan kecil tidak hanya untuk tugas. Ini adalah salah satu aspek baik-baik saja (di antara banyak lainnya!) Karl Richter's Cantata rakaman untuk Arsip, dimana organ besar selalu digunakan. Dalam iringan chorales penutup juga, organ besar memberikan apa yang akan menelefon gravitas Bach. Sebuah dokumen di Cathedral Meissen Doles ditulis oleh JF (1715-97) memberikan cadangan sebesar organ terperinci untuk kinerja Prelude, dan untuk iringan chorales dinyanyikan oleh jemaat. Sejak Doles adalah murid dari JS Bach selama lima tahun (1739-44)-nya mungkin dianggap cadangan untuk mencerminkan pandangan sendiri Bach. Kendali organ ini disyorkan untuk jemaat iringan, termasuk 16 'Posaune di pedal. Doles kebetulan, setelah mantra di Freiberg Cathedral, mengambil alih Bach yang lama sebagai Thomaskantor pada tahun 1755 yang dipegangnya hingga kematiannya.

Timbre

Ketiga isu utama yang perlu dipertimbangkan ialah bahawa daripada timbre, atau high suara yang dihasilkan oleh alat muzik, khususnya biola dan piano.

Suara piano umumnya dikaitkan dengan paling "asli" persembahan adalah, dalam kata-kata seorang ulasan yang blak-blakan, "kecil dan jangly". Adakah ini suara Bach lebih suka daripada piano sendiri? Ini bukan pertanyaan retoris atau dijawab, kerana kita boleh memastikan selera Bach suara piano dengan beberapa ketepatan. Untuk mulai dengan, harpsichords dibina hari ini sebagai instrumen barok salinan biasanya salin ringan Flemish Perancis dan desain. Jerman harpsichords daripada tempoh barok Namun, jauh lebih berat dan lebih padat, memberikan lebih dalam, lebih kaya, serba bisa nada. Bahkan ini tidak sepenuhnya memuaskan untuk Bach, yang ideal adalah lebih menyerupai piano nada lembut kecapi. Mengikut ideal ini, Bach punya dua "kecapi-harpsichords" adat-dibina dengan senar usus dan rendering modifikasi lain yang bahkan lebih lembut, lebih bulat suara. Walaupun contoh yang sebenarnya dari sebuah kecapi-piano tidak selamat, ada catatan sejarah arahan dan spesifikasi, dan rekonstruksi yang indah telah dicipta untuk Gergely Sarkozy (antara lain) yang sama Bach pertunjukan indah dapat didengar pada label Hungaraton. Nampaknya cukup meyakinkan bahawa ini adalah semacam suara lebih suka Bach. Untuk lebih detail tentang kecapi-piano semak link di bahagian bawah laman ini.

Bach juga tidak dengan cara apapun mengenai penggunaan 16 'berhenti di piano kinerja (sebagai "asli" bererti pelaku); inventaris milik Bach pada saat kematiannya mendedahkan bahawa selain dua kecapi-harpsichords, ia mempunyai beberapa harpsichords yang instrumen utamanya memiliki 16 'berhenti pada manual yang lebih rendah.

Juga mode di "otentik" bulatan adalah cemooh seperti "bel dan peluit" sebagai pedal kaki untuk pendaftaran pertukaran, dan - binasa fikiran - Venice membengkak-tetingkap untuk variasi kelantangan. Namun sekali lagi, "otentik" ideologi mengabaikan ketepatan sejarah. Di antara instrumen di Rumah Fenton Koleksi, London, adalah sebuah piano dibina oleh Burkat Shudi dan John Broadwood pada tahun 1770. Di samping enam tangan berhenti, ia juga mempunyai tiga pedal untuk mengawal kecapi, enjin dan penggemar berhenti selama registrational cepat pertukaran. Apabila enjin berhenti dimasukkan ke dalam 'dalam' posisi atas arahan keyboard atas lapan kaki berhenti, dan keyboard yang lebih rendah tiga set senar. Pada menekan pedal kecapi kombinasi ini diubah menjadi: atas keyboard, kecapi berhenti: keyboard yang lebih rendah, semakin rendah lapan kaki. Kasus ini juga mengandungi Venice membengkak, batin yang terdiri daripada sebelas tutup tetingkap berengsel soundboard meliputi seluruh wilayah. Tetingkap ini boleh dibuka dengan menekan pedal banteng itu, yang membolehkan Crescendo dan diminuendo, dan juga menukar nada warna.

Demikian juga dalam kes biola, gerakan kajian ke dalam "otentik prestasi" sudah benar-benar diperhatikan salah satu aspek yang sangat penting kinerja barok tentang instrumen senar secara umum: kemampuan pemain untuk menghasilkan akord sejati, suatu teknik yang memerlukan jenis busur keluasan digunakan dalam prestasi barok Jerman.

Barok Jerman busur biola sangat berbeza daripada rakan Itali, mencerminkan perbezaan dalam selera muzik Jerman. Busar Itali ramping, ringan, hampir lurus, dan sangat mirip dengan yang secara umum digunakan saat ini. Busar Jerman lebih berat dan sangat melengkung; senar yang longgar, dan ketegangan ditetapkan oleh tekanan daripada ibu jari Pemain yang ditempatkan di bawah tali busur. Kaedah yang lebih rumit daripada memegang busur yang diperlukan ini, akan memiliki kinerja lebih lambat kelajuan ditentukan. Tapi yang lebih signifikan, ketegangan, yang diuruskan oleh ibu jari Pemain, bisa lebih diperketat untuk single-line melodi, atau mengendurkan untuk memainkan akord pada tiga atau empat senar secara bersamaan. Teknik ini dihuraikan oleh satu Emil Telmanyi yang merakam solo Bach sonata biola dan partitas untuk Decca Jerman (Das Alte Werk siri) bertahun-tahun yang lalu dengan menggunakan semula moden dari busur biola barok Jerman. Penampilannya membawa keluar untuk pertama kalinya pada pertukaran antara solo akord dan garis yang seperti ciri penting solo Bach menulis string - persembahan lain memainkan arpeggio yang rosak tidak sama dengan akord sejati.

Tidak perlu ada keraguan tentang keabsahan sejarah melengkung busur barok Jerman, dengan teknik yang berkaitan dengan menggunakan jempol untuk mengawal ketegangan dan memainkan akord atau satu baris seperti yang diperlukan. Sebuah pandangan sekilas pada gambar muka ke Lexikon Musikalishes diterbitkan pada 1732 dan disunting oleh Bach's sepupu Gottfried Walther jelas menunjukkan Pemain menggunakan busur lengkung, ibu jari mereka memegang ketegangan bowstrings. Dan ada dokumentasi lain, seperti misalnya dalam komentar yang ditulis oleh Georg Muffat (1698). Di sisi lain, bahawa Bach itu bukan jenis musisi yang sembrono akan menulis akord untuk alat bermain mereka tidak mampu. Flute solo sonata tidak mempunyai "akord" yang Pemain harus bereplikasi dengan arpeggio. Bach menulis akord dalam string solo sonata dan akord partitas kerana itu apa yang dimaksudkan untuk dimainkan dan akord adalah apa yang ia sendiri akan bermain (dia belajar biola pada usia awal dan sangat menyukai biola). Dalam ketiadaan kebangkitan barok Jerman dana busur dan kepakaran dalam penggunaannya, satu-satunya cara saat ini untuk memberikan prestasi yang benar-benar asli dari solo Bach solo biola dan cello sonata dan partitas - otentik dalam arti bagaimana divisualisasikan Bach dan akan mendengar mereka - akan menggunakan kuartet.

Fuller detail di busur barok Jerman bersama-sama dengan ilustrasi tersebut di atas dan beberapa lain boleh ditemui dengan mengikuti link di bahagian bawah laman ini.

Fitur lain yang sangat menonjol tali bermain di hari ini "asli" adalah pertunjukan hampir total tidak adanya vibrato, mengakibatkan datar, sedih dan nada tak bernyawa. Sepertinya cukup jelas ke mana aspek ini "keasliannya" berasal dari, kerana banyak bukti yang menyokong pandangan justru sebaliknya. Sebuah bintang murid Corelli, dari Napoli Geminiani pindah ke London pada 1714 dan menjadi yang paling penting virtuoso biola Itali penduduk di Britain, juga guru, komposer dan penulis risalah yang sangat berpengaruh yang ditujukan kepada pemain maju, The Art of Bermain di si Violin (1751) serta beberapa risalah muzik canggih lainnya. Menantang ia menerbitkan beberapa sonata biola koleksi yang memerlukan dramatik daripada pemain. Ornamen Geminiani disediakan baik untuk gerakan lambat dan cepat serta cadenzas dalam risalahnya, ia menggalakkan penggunaan vibrato 'sesering mungkin', dan ekspresi-nya bermain sangat dikagumi oleh kedua Hawkins dan Burney. Vibrato juga terkenal dan banyak dihargai selama barok kali dalam penerapannya di clavichord, dikenali di Jerman sebagai Bebung. Terdapat juga banyak rujukan dalam muzik barok sastera, baik untuk ditempatkan pada pentingnya kehangatan dan vokal vibrato dalam prestasi, dan ideal dalam memainkan biola meniru suara manusia. Lebih lanjut, pertimbangan lebih praktikal timbul daripada kenyataan bahawa alat-alat muzik di masa itu tidak dipertahankan yang sama tuning standard quality seperti sekarang, kerana mereka biasanya disimpan dan sering bermain di lembap, keadaan sejuk. Ini disyorkan bahawa bermain dalam kumpulan instrumen setidaknya tiga dalam rangka untuk meminimumkan masalah ini, dan vibrato juga akan membantu mengatasi persepsi tuning tidak sempurna.

Tempoh instrumen

Sebuah Perkataan atau dua mungkin juga boleh dikatakan mengenai penggunaan perkataan "tempoh instrumen". Beberapa instrumen langka dan tidak biasa memang telah dihidupkan semula, tapi dengan sangat sedikit pengecualian, ini lebih relevan dalam pelaksanaan Zaman Pertengahan daripada muzik barok. Penggunaan (kayu dan jauh lebih lembut) flute barok penting, sebagai lawan daripada logam yang lebih nyaring rakan - ini adalah masalah keseimbangan, antara flute dan piano atau instrumen lain. Dalam kes instrumen senar Namun, beberapa pemain alat muzik gesek berdiri apapun yang pernah menggunakan instrumen memproduksi lebih baru-baru ini daripada pertengahan 1800-an. Biola, biola dan pemain cello tercatat pada tahun 1960-an, 70an dan 80an itu semua bangga pemilik asli instrumen barok. Dengan demikian penggunaan perkataan "tempoh instrumen", sementara itu mungkin dinafikan adalah tepat, tidak boleh diambil untuk membayangkan bahawa ini adalah eksklusif zaman moden fenomena kebangkitan.

Kejelasan diksi dalam aria dan recitatives

Penting untuk memahami bahawa barok pendengaran anda Kantata dan karya-karya suci lainnya tidak ada di sana hanya untuk hiburan muzik, sebagaimana boleh berlaku dengan pendengar hari ini. Kantata Bach, misalnya, membentuk bahagian utama dari pelajaran untuk hari itu, dan teks-teks yang diharapkan untuk mencerminkan Injil dan tema dari khotbah. Arias dan recitatives adalah alat penting dalam menceritakan sebuah kisah Alkitab atau berkomunikasi pelajaran. Jadi, diksi akan selalu telah jelas diartikulasikan, suara diramalkan daripada depan galeri untuk turun jemaat untuk mendengar. Dalam banyak pertunjukan karya-karya vokal dengar hari ini sukar untuk mengatakan apa bahasa yang penyanyi menggunakan, apalagi kata-kata yang tepat. Seperti prestasi di bahagian vokalis adalah otentik atau tidak kepada.

Roh Baroque

Sementara perdebatan mengenai otentisitas dalam prestasi barok akan terus, karakteristik esensial tertentu harus hadir, jika prestasi adalah untuk mencerminkan semangat barok sejati. Para musisi harus pertama dan terutama menunjukkan rasa hormat dan kasih sayang untuk muzik, inilah yang paling penting. Seorang pemain biola atau penyanyi tampil dengan sensitiviti nyata, bahkan hanya untuk beberapa baris, akan merebut perhatian seseorang. Tempi juga sangat penting, jika terlalu lambat tempo menyeret potongan; terlalu cepat dan vital detail yang hilang sebagai musisi berebut untuk bergulat dengan cabaran yang tidak perlu arked fizikal. Terlalu banyak pertunjukan hari ini mencerminkan pantas ini tergesa-gesa. Saldo juga penting, sehingga semuanya dapat didengar.

Dalam prestasi itu sendiri sangat penting, terutama dalam karya-karya JS Bach, untuk menampilkan "arsitektur" daripada bahagian, terutamanya di organ Preludes dan fugues, banyak di antaranya dibina dalam bentuk lengkungan dengan pilar-pilar di sisi awal dan akhir, kurva dan sebuah batu kunci di atas, dengan ukiran perjalanan ke hiasan di sepanjang jalan. Sebuah berkinerja baik akan mempelajari senibina dan mencerminkan dalam prestasi melalui perubahan dalam pendaftaran. Terlalu sering hari ini pertimbangan tersebut ditiadakan, dan memang ada aliran pemikiran yang menyokong kinerja dari awal hingga akhir pada satu manual dengan satu pilihan berhenti, mengabaikan fakta bahawa banyak daripada Bach's organ-tulisan yang dihasilkan secara khusus untuk dan di permintaan pelajar dan rakan sekerja yang ingin potongan yang akan mempamerkan kekuatan penuh dan juga suara-suara individu baru dibina organ-organ yang mereka telah dijemput untuk menguji dan bersetuju.

Ada semangat untuk setiap umur, setiap komposer, dan setiap karya muzik. Dalam barok kali kehidupan sekular dan suci itu sangat banyak yang saling terkait, dan muzik adalah untuk dinikmati, tetapi juga dihormati sebagai kurnia rohani. Bach berbicara sering daripada sepotong, performa, dan instrumentasi atau gaya yang itu dilakukan sebagai gravitas yang memerlukan. Lebih penting lagi, semangat barok ditandakan di atas segalanya dengan jelas, kerana muzik sangat kontrapungtal (fugal / kanon) dan setiap nota, setiap baris memiliki tempat. Cinta dan menghormati muzik, kenikmatan dalam prestasi, dan di atas semua, kejelasan dalam artikulasi, ansambel dan merekod keseimbangan. Ini adalah esensi sejati muzik barok. Jika amalan kinerja ditagih sebagai "asli" dalam "tempoh" instrumen boleh mendedahkan sifat-sifat ini dan semangat ini maka itu adalah benar keasliannya. Jika instrumen moden boleh melakukan hal yang sama, maka itu juga adalah keasliannya. Ini semangat yang diperhitungkan.

Muzik Barok: sejarah dan konteks geografi.

Memandangkan kesulitan-kesulitan perjalanan dan komunikasi dua abad yang lalu, mungkin mudah anggaplah Penggubah akan tahu relatif sedikit penggubah lain dan negara lain. Tidak ada yang bisa lebih jauh dari kebenaran! Bepergian dengan tahap-pelatih mungkin telah panjang, dan mungkin hanya untuk yang baik-untuk-do. Namun, banyak pelatih pasca-tugu masih ditemui di Jerman, dengan timing perjalanan antara bandar-bandar yang tepat kepada seperlapan daripada satu jam attest ke tingkat organisasi yang quality dan kehandalan dalam mod ini perjalanan. Pembuatan muzik ini sangat dihargai oleh banyak pangeran dan raja mahkamah, dan musisi terkemuka sering dibiayai untuk perjalanan mereka untuk mengembalikan gaya terbaru dan komposisi. Selama paruh pertama tahun 1700-an, muzik Jerman mengadopsi bentuk italian concerto dan sonata, dan bersama mereka, banyak dari barok Itali "kosa kata" bersama-sama dengan komposisi Itali terbaru.

ITALI

Kepausan kembali ke Rom pada 1377, dan selepas pertengahan abad ke-15 bandar menjadi pusat budaya Renaissance. Perlindungan paus besar seni mulai memperkaya Rom. Selama kepausan (1447-1455) daripada Nikolas V dinding pertahanan dibaiki, istana dibina, dan gereja dipulihkan. Major seniman dan arkitek sekarang bekerja di Rom, dan pada akhir abad itu menggantikan Florence sebagai titik tumpuan utama daripada Renaissance. Karung bandar pada tahun 1527 oleh Habsburg tentera bayaran adalah kemunduran sementara. Selama abad ke-16 Michelangelo, Donato Bramante, Raphael, dan seniman lain bekerja untuk para paus, dan pembinaan yang baru Gereja Saint Peter kemajuan. Tidak sampai kerajaan (1585-1590) daripada Paus Siktus V, bagaimanapun, bahawa padat, bingung pola bandar abad pertengahan mulai dimodernisasi. Tiga jalan-jalan utama diletakkan untuk memancarkan daripada Piazza del Popolo ke pusat bandar. Siktus juga membina kotak dan air mancur, dan ia mengembalikan Felice Acqua gorong-gorong. Selain itu, gereja-gereja tua updated, dan Saint Peter's kubah telah selesai.

Itu tidak menghairankan bahawa muzik juga harus berkembang terhadap latar belakang visual yang kaya ini. Barok musisi khas aktif di Rom adalah komposer dan pemain biola Arcangelo Corelli (1653-1713), yang gaya bermain menjadi asas bagi teknik biola dari abad 18 dan 19, dan komposisi muzik bilik yang berada jauh jangkauannya melalui pengaruh mereka . Lahir di Fusignano, ia belajar di berhampiran Bologna dan selepas 1675 tinggal di Rom. Ada pelindung nya termasuk Ratu Christina dari Sweden dan, selepas 1690, Kardinal Pietro Ottoboni, (1667-1740), muzik librettist dan penting pelindung yang sebagai timbalan kanselir daripada gereja tinggal di Palazzo della Poetico-Cancelleria mana diadakan Musicali Accademie dan opera dan oratorio dilakukan. Yang paling banyak diterbitkan dan dicetak semula sebelum Austria gubahan Joseph Haydn, Corelli komposer pertama untuk memperoleh reputasi antarabangsa semata-mata atas dasar muzik instrumental-nya. Banyak unsur gayanya menjadi biasa pada abad ke-18, dan karya-karyanya adalah contoh-contoh awal sistem yang baru berkembang besar dan minor nada suara. Sebagai virtuoso biola unggul hari, ia mengajar banyak pemain biola-penggubah terkemuka dari abad ke-18, di antaranya ialah Itali Francesco Geminiani.

Banyak penggubah terkemuka dari tempoh barok, terutama Handel contohnya, sojourned di Rom, dan pengaruh Corelli adalah untuk menyebarkan dirinya ke seluruh Eropah. Rom tentu saja juga dipaparkan di Grand Wisata, yang kaya Eropah dan khususnya Inggeris sedang menikmati semakin banyak selama tahun 1700-an.

Rivalling Rom dalam pengaruh muzik jika tidak melalui kemegahan senibina dan artistik, Naples berhutang kedudukan yang luar biasa dalam muzik dengan jumlah banyak sekali musisi berbakat yang melahirkan bandar - dan juga untuk musiknya conservatories yang terdidik dan melayani mereka dengan sangat baik . Napoli memang telah tepat disebut konservatorium daripada abad ke-18 muzik dan ternyata memang berbangga empat conservatories muzik tertinggi berkaliber.

Hampir tidak ada penggubah besar daripada paruh pertama settecento tidak dipengaruhi oleh Neapolitan muzik. Memang, sebahagian besar tokoh-tokoh muzik besar daripada waktu melawat Naples atau tinggal dan bekerja di sana selama beberapa waktu. Nicola Porpora yang brilian (lahir 19 Ogos 1686, di Naples; d. ada Februari 1767), misalnya, tidak hanya mengajarkan Joseph Haydn tapi tahu intim seperti tokoh-tokoh terkenal di dunia sebagai Bononcini, Farinelli, Handel, dan Hasse. Pada 1733, beliau pergi ke London, menyertai Hasse pertama, kemudian Bononcini, untuk bersaing dengan gergasi Handel. Beberapa orang mengatakan bahawa pengaruh Porpora Handel terlambat moden gaya opera komposisi - atau setidaknya pernah memiliki kecenderungan bahawa sampai Porpora kepergian dari Inggeris untuk Itali pada 1737.

Diakui secara universal tuan Neapolitan Muzik Barok adalah Alessandro Scarlatti (lahir 2 Mei 1660, di Palermo; d. 24 Oktober 1725, di Naples). Hampir semalam ia merevolusi suasana muzik wilayah yang berlaku di Napoli sebelum dia tiba di bulan Februari 1684 sebagai maestro baru di Cappella di Viceregal Chapel. Pewaris langsung grand opera tradisi Itali, Oratorio, Cantata, dan komposisi instrumental yang diterima daripada Pietro Francesco Cavalli (1602-1676), Carissimi Giacomo (1605-1674), Alessandro Stradella (1642-1682), dan Giovanni Legrenzi (1626 -- 1690), Scarlatti adalah dilengkapi dengan baik untuk merevolusi muzik Neapolitan kehidupan. Pengunduran diri yang mendadak Neapolitan tua Guard - Francesco Provenzale (ca. 1627-1704) dan enam rakan-rakannya, semua kecewa kerana sudah melewati Provenzale menyokong Scarlatti selepas kematian Pietro Andrea Ziani (ca. 1630-1684), membersihkan jalan bagi Scarlatti's menghirup udara segar. Scarlatti's opera dan Kantata, para serenatas dan oratorio, dan terutama karya-karya instrumental-nya akan membawa kehidupan baru ke Neapolitan muzik. Dia menulis lebih dari seratus opera, enam ratus Kantata dan sejumlah oratorio. Dia juga sering ditugaskan oleh ahli bangsawan Eropah untuk menulis sonata untuk angin dan instrumen string serta potongan dan cembalo konser grossi. Nya di set Sinfonie Concerto Grosso saat ini tersedia dalam label Philips dilakukan oleh I Musici.

Domenico Scarlatti (lahir 26 Oktober 1685, di Naples; d. 23 Julai 1757, di Madrid) adalah putra keenam Alessandro Scarlatti. Sang ayah tidak diragukan lagi terkena Domenico untuk latihan terbaik di Naples, membawanya pada sekitar 1708 ke Venice untuk belajar dengan Francesco Gasparini (1668-1727), dirinya murid daripada Arcangelo Corelli (1653-1713). Dari Venice yang lebih muda Scarlatti perjalanan ke Roma - dengan Handel, menurut laporan - di mana kedua dilakukan sebelum Kardinal Pietro Ottoboni. Tentang 1720 ia pindah ke Lisbon, dan sekitar sepuluh tahun kemudian ke Madrid. Ia mungkin paling dikenali hari ini untuk keyboard sonata, di mana ia meminjam Hispanik secara bebas daripada lagu-lagu rakyat dan irama mencipta campuran yang unik yang mungkin disebut "makmal Baroque".

Francesco durante (lahir 31 Mac 1684, di Fratta Maggiore d. 13 Ogos 1755, di Napoli) adalah paling sibuk Neapolitan guru, memegang posting baik di Sant 'Onofrio dan Santa Maria di Loreto conservatories, dan mengajar, bermain , dan menyusun tempat lain juga. Kariernya dikembangkan di waktu terbaik untuk mengambil keuntungan maksimum dari kedalaman dan kekayaan baru, muzik baru Alessandro Scarlatti kefasihan yang telah dicipta untuk Napoli. Durante sehingga mendapat keuntungan daripada keadaan yang beruntung ini Rousseau digalakkan untuk nama-Nya "musikan terbesar di Itali, yang mengatakan, dari dunia." Untuk maklumat lanjut mengenai komposer ini lihat link di bahagian bawah laman ini.

Tetapi bagi inspirasi quality secara konsisten beberapa komposer waktu, Neapolitan atau sebaliknya, boleh membandingkan dengan Giovanni Batista Pergolesi (lahir 4 Februari 1710, di Jesi; d. 16 Mac 1736, di Pozzuoli). Beliau juga bertepatan dengan tempoh paling bermanfaat Neapolitan sejarah muzik. Itu adalah takdir Pergolesi untuk mengambil keuntungan (dalam waktu dua setengah dekad foreshortened yang tragis hidup) daripada peluang besar untuk benar-benar baru formulasi muzik yang karya-karya Scarlatti disediakan. Hampir sendirian Pergolesi ditempa gaya dramatik yang baru, memanfaatkan untuk tujuan buffa opera yang rendah, dan membawa ke pentas dan dewan konsert semua seluk-beluk psikologi, idiomatik, dan pembangunan dan motivic semua dramatik fleksibiliti supaya vital bagi seni Karakterisasi yang muzikal Mozart adalah untuk membawa kepada kesempurnaan.

Venice, perdagangan independen besar bandar-on-the-air di utara, juga tempat kekayaan besar, karya arsitektur, dan pengaruh musik, yang paling terkenal di antara anak-anak muzik yang Antonio Vivaldi. Venice juga dipaparkan pada bangsawan Eropah's "Grand Tour". Namun dalam retrospeksi kita mungkin sedih direkodkan bahawa kekuatan ekonomi dan kekayaan Venice sudah berada di penurunan, dan pada akhir masa hidup Vivaldi kemelesetan ekonomi telah ditetapkan yang Venice tidak pernah pulih.

Yang mendasari, semua-melitupi dan inspirasi pengaruh pada muzik barok Itali diberikan oleh pembuat biola, terutamanya berpusat di Cremona - yang Amati keluarga pada 16 dan 17 berkurun-kurun, dan Stradivari Guarneri keluarga pada 17 dan 18. Itu mungkin menyarankan bahawa dengan cara yang sama besar bina-organ-Jerman, Arp Schnitger di utara dan Gottfried Silbermann di selatan, memberi inspirasi dan mencabar komposer seperti JS Bach Buxtehude dan organ mengarang karya-karya yang akan memanfaatkan sepenuhnya yang bervariasi dan megah tonalities instrumen terkenal ini.

DARI ITALY KE JERMAN

Johann Georg Pisendel (lahir 1687, meninggal di Dresden tahun 1755) tidak hanya salah satu pemain biola terkemuka Jerman abad ke-18, tetapi juga keperibadian muzik terkenal antarabangsa. Pada usia sepuluh tahun, beliau pergi ke Ansbach, di mana Giuseppi Torelli menjadi gurunya. Ketika ia berusia 25 ia memasuki Mahkamah Dresden Orchestra, dan pada 1728 ia diangkat sebagai pemimpin, menduduki jawatan itu dengan perbezaan yang besar hingga kematiannya. Itu sebahagian besar karyanya bahawa Mahkamah Dresden berhutang Orchestra yang terkenal di seluruh Eropah. Johann Friedrich Reichardt menulis pada tahun 1774: "Selamat meskipun orkestra Berlin selalu, orang-orang yang memenuhi syarat untuk menghakimi dan yang berkenalan dengan kedua selalu lebih suka Dresden orkestra di bawah kepimpinan Concertmeister Pishändel yang terkenal." Dengan keizinan daripada Mahkamah, Pisendel pergi ke Perancis pada 1714 dan Itali pada 1716/17. Beliau belajar di bawah Vivaldi di Venice, juga datang ke dalam kenalan dengan empu Itali terkemuka hari, dan setelah kembali ke Dresden ia memperkenalkan terbaru komposisi biola Itali.

Kita tahu bahawa Pisendel memainkan concerto oleh Torelli untuk Collegium Musicum Leipzig, sementara Dresden adalah, pada saat itu, pusat kultus Jerman Vivaldi, yang di bawah pengaruh JS Bach menyusun organ concerto. Budaya politik dan hubungan antara Saxony dan Itali dibuat lebih kuat oleh Marie Amalia penobatan Sachsen sebagai Ratu Napoli. Kerajaan tempat tinggal di Munich, Stuttgart dan Hanover juga membiarkan dirinya kemewahan muzik Itali instansi, dan banyak dari pangeran kecil mahkamah di mana muzik ini diarahkan oleh Jerman memerintahkan skor terbaru dari Itali.

Pisendel's signifikansi dan keterkenalannya sebagai seorang penggubah yang asli sudah lama diremehkan. Walaupun ia bukan seorang penulis yang produktif, komposisi dari orang-orang yang bertahan adalah kualiti yang tinggi, dan menunjukkan tujuan kreatif individu. Sebuah sonata untuk biola solo adalah pekerjaan yang sangat menuntut baik dari sudut pandang muzik dan violinistic, dan cenderung untuk mengesahkan teori bahawa Pisendel gaya bermain dan mungkin telah mengakibatkan komposisi sonata solo Bach. Memang telah menyarankan bahawa Enam Bach sonata / Partitas solo biola terdiri tepat sebagai cabaran untuk Pisendel selama kunjungan dengan Bach di Mahkamah Köthen mana Bach kemudian dalam liputan perkhidmatan.

Demikian pula, Capellmeister daripada Gotha, Gottfried Stölzel Heinrich (1690-1749), pergi ke Itali pada tahun 1713 dalam rangka untuk datang ke dalam kenalan peribadi dengan musisi terkemuka zaman, dan tidak melewatkan kesempatan "dimana sesuatu itu untuk didengarkan'' . Dia bertemu Alessandro Scarlatti di Rom, dan di Venice Vivaldi, Marcello, dan rakan-rakan senegaranya, Johann David Heinichen. perjalanan-Nya dengan cara membawanya, Florence, Pisa dan Leghorn, dan perjalanan kembali melalui Bologna, Venice dan Trieste ke Innsbruck, kemudian melalui Linz dan Budweis ke Praha.

Stölzel's 'Concerto a quattro Chori' misalnya, adalah serlahkan indah di mahkamah pembuatan muzik masa. Yang sangat skor dari karya ini, dengan dua kumpulan terompet, sekelompok woodwind dan dibahagi string, mencipta udara dari kemegahan pesta karakteristik dari periode Baroque kemudian, dengan sangat menyenangkan dalam membuat muzik. J.S. Bach tahu dan mungkin bernilai yang terdengar bagus ini bekerja dengan koleganya di Gotha; ia menggunakan tema daripada fugal Finale Concerto ini dalam G minor Bourrée daripada "Wilhelm Clavierbüchlein''untuk Friedemann Bach - di mana seorang" Partia di Signore Stelzeln'', di beberapa gerakan, mempunyai tempat kehormatan.

JERMAN

Meskipun sangat dipengaruhi oleh perkembangan di Itali, Jerman sebenarnya mencangkok bentuk dan gaya ini kepada tradisi pribumi sendiri.

Reformasi, yang dipimpin oleh Martin Luther dan secara rasmi bermula pada tahun 1517, membawa agama kepada massa, baik melalui penterjemahan Luther teks-teks Alkitab ke dalam Bahasa Jerman, dan melalui penggunaan keluasan nyanyian untuk paduan suara sebagai tekstual penting / iringan muzik untuk pelayanan gereja. Dari melodi nyanyian untuk paduan suara tradisional banyak muzik barok Jerman untuk tumbuh dan berkembang. Kantata dan Gairah seringkali nyanyian untuk paduan suara berasaskan, dan jika tidak, itu hanya perpanjangan dari tradisi nyanyian untuk paduan suara. Organis juga akan menghuraikan nyanyian untuk paduan suara selama seminggu, baik dengan menambah interpolasi antara ayat-ayat, atau dengan menyusun turun set variasi berdasarkan melodi nyanyian untuk paduan suara tertentu.

Untuk tradisi ini harus ditambah naluri cinta Jerman keteraturan, sampai sekarang masih dinyatakan dalam banyak aspek kehidupan Jerman. Jadi komposer Jerman yang tertarik kepada fugue, kanon dan Passacaglia untuk asas fundamental mereka bentuk, pola dan persatuan.

Salah satu daripada beberapa penggubah barok awal yang memberikan sumbangan signifikan terhadap perkahwinan antara nyanyian untuk paduan suara dan lagu lain adalah Dietrich Buxtehude. Denmark asal dan lahir di Oldesloe, Holstein (saat itu pemilik Denmark), pada tahun 1637, ia meninggal di Lübeck pada tahun 1707 berusia enam puluh sembilan atau tujuh puluh. Di samping komposisi sumbangan, seninya pada organ yang legendaris. Penampilannya muzik suci, instrumental dan vokal, membuat Lübeck tempat ziarah bagi musisi ingin maju dalam seni mereka, dan pemuda Sebastian Bach sendiri perjalanan dua ratus batu untuk mendengar mereka dan duduk di kaki Tuhan. Dalam Kantata Bach dan Gairah, dan dalam banyak Preludes nyanyian untuk paduan suara dan variasi, perkembangan nyanyian untuk paduan suara mencapai puncak yang tidak pernah kemudiannya telah terlampaui.

The nyanyian untuk paduan suara terus berlanjutan, dan terus menduduki tempat fundamental dalam kehidupan Jerman, baik Protestan dan Katolik. Para chorales telah terus-menerus terdengar di rumah-rumah seperti di gereja-gereja. Itu adalah adat selama berkurun-kurun untuk paduan suara gereja untuk berjalan-jalan jalan-jalan selama seminggu, menyanyi mereka sebelum rumah-rumah. Bahkan pada tahun 1880-an Steinert, pengedar piano Boston, kembali mengunjungi kota asalnya Bavaria setelah absen selama empat puluh tahun, menemui penjaga malam di jalan-jalan masih menandakan jam dengan menyanyikan lagu ayat-ayat-Nya kepada nyanyian untuk paduan suara lagu lama mereka, seperti yang ia dilakukan di lain bandar di Bavaria Mastersingers Wagner. The nyanyian untuk paduan suara, sungguh, telah meresap Jerman religius, komunal, dan kehidupan rumah tangga. Seorang pengembara swasta di Jerman hari ini mungkin akan terkejut untuk mengetahui berapa banyak dari mereka yang dia atau dia bertemu adalah biasa dan antusias para peserta dalam paduan suara gereja, sekali lagi membuktikan cinta mereka yang mendalam muzik koral.

INGGERIS

1600-an terbukti menjadi abad pergolakan politik dan perubahan di Inggeris - perubahan daripada monarki autokratik ke parlimen. Ketika abad ke United dibuka diperintah oleh raja yang sangat autokratik yang akan tidak ada hubungannya dengan kaum muda dan bercita-cita tinggi parlimen. Showdown datang dengan sidang oleh parlimen dan pelaksanaan selepasnya Raja Charles I pada 1649. Hal ini diikuti oleh upaya di sebuah republik di bawah Cromwell - yang terbukti menjadi kacau dan bencana. Raja yang dipulihkan - Charles II dan James II - masih agak enggan menerima keagungan parlimen, sampai parlimen itu sendiri dipanggil James putri Maria dan suami Belanda William of Orange untuk menyelamatkan negara daripada ketidakstabilan politik. Hal ini mereka lakukan pada 1689, selepas itu bersama-sama memerintah sebagai William III dan Maria. Sejarah singkat ini akan menjelaskan mengapa, selepas kehampaan budaya dan kekacauan revolusi, republik dan tahun-tahun berikutnya, muzik akan kembali berkembang sebagai menarik abad ke dekat.

Henry Purcell lahir pada tahun 1659, dan meskipun ia menjalani kehidupan yang sangat singkat (beliau meninggal pada 1695) beliau mampu menikmati dan memanfaatkan sepenuhnya berbunga yang dikemaskini muzik.

Dia mencurahkan banyak bakat untuk menulis opera, atau lebih tepatnya drama muzikal, dan panggung muzik sampingan, tetapi ia juga akan menulis muzik bilik dalam bentuk suite dan trio piano sonata, dan semakin terlibat dengan adegan konsert awam London. Untuk Perhimpunan Sebenar London muda ia menghasilkan Odes untuk merayakan hari Saint Cecilia (Penolong Saint of Music) - yang setiap pencinta muzik sehingga berkeinginan dapat merayakan pada 22 November.

Sebagai anak seorang musisi di istana, seorang anggota paduan suara di Chapel Royal, dan pemegang janji kerajaan terus hingga kematiannya, Purcell bekerja secara eksklusif di Westminster selama tiga Raja-raja yang berbeza selama dua puluh lima tahun, dan fakta tentang kegiatan Purcell di mahkamah adalah cukup baik didokumentasikan. Di antara karya-karya lain yang ditulis untuk Mahkamah, ia menghasilkan Odes untuk ulang tahun kerajaan, di antaranya adalah yang meriah dan merdu "Ayo and Sons of Art".

Queen Mary kematian adalah pukulan yang menghancurkan yang sangat mempengaruhi negara. Maria telah menjadi raja yang tercinta dan menuntut pemakaman umum yang mencerminkan pengabdian. Tidak ada kos diselamatkan. Sir Christopher Wren telah memastikan bahawa laluan ke Westminster berderet dengan pagar hitam. Tiga ratus muram perempuan mengetuai rombongan berpakaian jubah hitam dengan anak laki-laki membawa kereta mereka. Purcell juga dipanggil untuk memberikan pujian bagi kematian (dan negara) tercinta Queen Mary. Bagaimanakah kesempatan bersandar sempurna itu sendiri kepada Purcell's menggugah dan pahit-manis muzik. Pada bulan November tahun yang sama Westminster Abbey juga akan Purcell tatacara untuk pengebumian sendiri, di mana gabungan paduan suara di Abbey dan Kapel Royal akan memperingati berlalunya pramasa 'Orpheus Inggeris'.

Semasa dekad terakhir 1600-an Inggeris telah belajar banyak tentang Itali dan Perancis gaya muzik daripada Purcell dan akan memasuki abad baru dengan hangat menerima kontinental mode.

Hidup muzik Inggeris selama paruh pertama tahun 1700-an didominasi oleh sosok raksasa Handel, yang telah menetap di London pada 1712; sini sekali lagi, royalti telah memainkan bahagian berpengaruh.

Setelah kajian awal di Jerman, Handel pergi ke Itali di mana dia menghabiskan lebih daripada tiga tahun, di Florence, Rom, Naples, dan Venice. Di Roma ia belajar dengan Corelli, dan mungkin juga telah bertemu Vivaldi di Venice pada kembali.

Handel kiri Itali awal tahun 1710 dan pergi ke Hanover, di mana beliau diangkat Capellmeister kepada Pemilih, George Louis. Rumah Kerajaan British dan Eropah selalu saling berkaitan erat, dan UU Penyelesaian tahun 1701 yang mengamankan suksesi Protestan Crown, dibuat George ibu-anggapan pewaris takhta Britain. Pada 1705 George sudah dinaturalisasikan dengan Undang-undang Parlimen, dan pada Ogos 1714 kematian Ratu Anne membuatnya Raja. Handel, yang sudah mengunjungi London dan rupanya menemukan ke disukainya, adalah untuk mengikuti Pemilih di Inggeris mengadopsi sivik, dan merupakan sebahagian daripada kejayaan Handel di London adalah kerana kerajaan Pemilih patronase dari Hanover, sekarang Raja George I.

Handel's pengaruh baik pada lingkungan budaya zamannya dan pada adik sezamannya inggris hampir tidak dapat dilebih-lebihkan. Ini adalah awal dari usia "Grand Tour," ketika warga terdidik dan kaya memulakan "Grand Tour 'ke Itali, Perancis, Jerman dan Belanda. Setiap kali mereka pulang ke rumah tidak penuh antusiasme untuk akademi, teater, opera dan konsert kehidupan rumah-rumah yang mereka temui di Eropah. Inggeris, singkatnya, menjadi tuan rumah menyambut virtuoso asing, impresarios, penyanyi dan komposer. Sebagai ahli teori Hamburg, kritik dan komponis Johann Mattheson dirakam pada tahun 1713 (Das Neu -- Eröffnete Orchester): "Dia yang pada saat ini ingin membuat keuntungan daripada muzik betakes diri ke Inggeris."

Di Inggeris, seperti anda mula dengan di Jerman, model kepala muzik instrumental Corelli, komposisi yang pertama kali dikenal di London menjelang akhir abad ketujuh belas. Dalam 1715 John Walsh senior - dia dan putranya akan untuk menjadi penerbit Handel - dikeluarkan Corelli's 12 konser grossi Op. 6, dari waktu yang mereka dilakukan, disesuaikan, dan dari semua akaun, universal dicintai. Sejarawan muzik Inggeris Sir John Hawkins menyebutkan sebuah kesempatan pada tahun 1724 ketika sebuah kumpulan antusias amatir, yang baru saja acquired Corelli's Op. 6 dari seorang penjual buku, "memainkan turun 12 concerto melalui, tanpa bangkit dari kerusi mereka" (History of the Science and Practice of Music, 1776). Concerto oleh Corelli's kontemporari, Torelli, dan up-to-date bergaya Venice concerto oleh Vivaldi juga diterbitkan dan menjadi popular di Inggeris.

Di antara komposer pertama mempunyai concerto dicetak di Inggeris Francesco Geminiani. Geminiani lahir di Lucca dan belajar biola di bawah Corelli di Rom. Juga mungkin bahawa ia belajar komposisi dengan Alessandro Scarlatti di Naples. Pada tahun 1707 Geminiani kembali ke kota asalnya Lucca, di mana ia bermain di orkestra bandar selama tiga tahun sebelum mengambil kedudukan di Naples pada tahun 1711 sebagai pemimpin dari opera orkestra. Pada 1714 ia datang ke Inggeris di mana dia bermain dengan cepat mendapat sokongan daripada tokoh-tokoh di istana dan di antara Premier. Geminiani meninggalkan London untuk Dublin tahun 1733 di mana beliau membina reputasi baik sebagai guru, artis, promotor konser dan teoretisi. Pada tahun itu ia membuka Ruangan Konser di Dublin, rupanya menggunakan bangunan tingkat atas untuk muzik dan bilik di bawah untuk perdagangan dalam gambar.

PERANCIS

Sumbangan dari Perancis untuk baroque muzik, terutama dalam tempoh dahulu, 1650-1700, adalah relatif kecil. Hal ini disebabkan pengaruh sepenuhnya satu Giovanni Battista Lulli (1632-1687), seorang Itali keturunan bangsawan yang, sebagai seorang pemuda, bepergian ke Perancis, memuat perkhidmatan pada 1653 di Mahkamah Louis XIV. Di sini dia menggunakan pengaruhnya dengan raja, digabungkan dengan rasa yang agresif perniagaan, untuk mencipta untuk dirinya sendiri virtual monopoli atas muzik Perancis yang berlangsung di luar kematian dan baik sampai awal 1700-an, itu kerana hanya dengan Rameau dan Couperin bahawa Perancis mulai menemukan sendiri muzik sekali lagi. Yang mencekik daripada Lully (untuk menggunakan ejaan Perancis di kemudian hari) di Perancis muzik pada waktu hampir tidak boleh terlalu ditekankan. Serangkaian kerajaan yang sangat ketat paten memberinya total monopoli atas penggunaan muzik di panggung Perancis. Agresif dan cerdas dalam perniagaan, Lully membeli tempat teater terkemuka, dan untuk memperkuat posisinya ia bahkan memujuk raja untuk mengeluarkan sebuah persenjataan menghadkan jumlah penyanyi dan instrumentalis yang bisa tampil bersama rombongan teater Paris lainnya.

Pengaruh yang besar Perancis tidak memecut atas usia barok adalah salah satu sopan kemewahan. Tahun 1669 Louis XIV (1638-1715) memutuskan untuk mengubah pondok berburu tua di Versailles menjadi kemegahan istana belum pernah terjadi sebelumnya. Itu selesai tahun 1682, dan mahkamah bergerak pada tahun 1683. Tidak ada raja atau pangeran mahkamah di Eropah yang boleh menyamai Versailles untuk kemewahan daripada interior berlapis emas, dengan cermin dan tempat lilin, dengan pencocokan tepat flamboyan upacara sopan, dan tidak ada raja atau pangeran mahkamah di Eropah yang tidak , baik secara terbuka atau diam-diam bercita-cita untuk memadankan model ini.

Lully (sekarang dinaturalisasikan Perancis sebagai Jean-Baptiste Lully dengan 'y') tercermin ideal ini dalam kemegahan operanya dan tatacara opera, dipentaskan dengan bantuan pelbagai macam enjin dengan matahari dan malaikat yang bisa terbang tentang dan kapal-kapal boleh naik liar badai lautan. Teks opera memuji-Nya raja dan mencerminkan pemikiran kerajaan terbaru di setiap kesempatan, yang tentu saja berfungsi untuk mengukuhkan kedudukannya. Pada saat yang sama Namun, perlu ditekankan bahawa penampilannya tidak boleh dilewatkan. Opera-Nya dan karya-karya suci menunjukkan kekayaan dan keagungan (yang Ouverture gaya Perancis menjadi salah satu sumbangan) yang akan menarik minat khalayak kekaguman, dan melawat musisi dari Itali dan Jerman.

Walaupun banyak atau royalti Eropah adalah untuk membuat ziarah ke Versailles, tidak ada yang tahu bahawa Louis dan negara itu dibebani dengan hutang yang mahal yang dikenakan pada mereka Versailles. Selain Perancis selama akhir tahun 1600-an adalah dua kebuluran dan menderita serangkaian kekalahan tentera bencana. Kemegahan dari Versailles beransur-ansur pudar seiring dengan kuasa raja, dan ia meninggal pada tahun 1715 menandakan kedua berakhir untuk Versailles (walaupun itu akan kemudian menghidupkan semula), dan kelahiran semula (non-Lullian) muzik di Paris dengan letupan sheet-music pencetakan dan muzik pelajaran untuk kaum borjuasi, kebebasan muzik dan vitalitas yang dilahirkan kembali di Paris, dan akan terus berkembang bahkan setelah Louis XV memindahkan istananya kembali ke Versailles.

SEPANYOL

Kehadiran Moor (kira-kira 800-1.500) memberikan muzik Sepanyol banyak dari rasa yang khas, mewariskan warisan arab kompleks irama, microtonic sisik, dan cinta yang sedang berlangsung daripada memetik alat, vihuela dan gitar. Keliling gipsi kemudian menambah pelbagai variasi dalam irama dan melodi. Inilah orang kaya dan pelbagai Domenico Scarlatti campuran yang nantinya akan mengeksplorasi dan mengeksploitasi dengan suar dan antusiasme.

Ketika Maharaja Charles V bersatu Belanda, Burgundi, Naples dan Sepanyol di bawah satu mahkota, Sepanyol akan terbuka untuk seluruh dunia muzik Eropah. Di Charles kerajaan dan bahawa anaknya Philip II, bersama-sama merangkumi tempoh 1516-1598, Sepanyol muzik mencapai titik puncak. Selama tempoh ini organ bangunan juga berkembang; organ-bina menjadi giat dan inventif sebagai kemakmuran Sepanyol mengalir ke dalam gereja. Philip II sendiri disajikan organ di Granada Cathedral - masih dalam penggunaan rutin. Buta organ-penggubah Antonio de Cabezón (1510-66) adalah salah satu daripada penggubah awal dunia untuk keyboard, karya-karyanya menunjukkan gaya yang cukup maju.

Perkembangan muzik yang signifikan selama tempoh barok Namun, terjadi di daerah lain di Eropah. Melihat nama-nama komposer Sepanyol 1650-1750, kita tidak menemukan salah satu nota khusus.

Tokoh utama di Sepanyol barok itu Domenico Scarlatti yang lahir, dan menerima latihan muzik, bukan di Sepanyol, tetapi di Itali. Dalam Scarlatti's 500 atau sehingga sonata kita menemukan semua kekayaan dan kesenangan, yang melodis dan ritmis pelbagai Sepanyol tradisional.

Dari EROPA ke NEW WORLD

Ketika abad ke-18 berlangsung, muzik Eropah juga menjadi semakin akrab di Amerika Syarikat, yang sangat antusias eksponen menjadi Thomas Jefferson, ahli politik, diplomat, menteri luar negeri ke Perancis, Vice President di bawah John Adams, jangka dua presiden Amerika Syarikat, dan tentu saja, penulis Perisytiharan Kemerdekaan. Thomas Jefferson, yang bersemangat mengejar keunggulan mempunyai beberapa kesejajaran dalam sejarah Amerika, muzik dianggap sebagai "rekreasi yang menyenangkan dalam hidup" dan "ghairah kegemaran ini jiwaku." Sekali lagi kita jumpai di mana-mana Corelli, yang diketahui telah menjadi salah satu komposer kegemaran Jefferson.